Kith célèbre le Mois de l'histoire des Noirs

Marlon Beck : Chacun d’entre vous a un parcours unique pour devenir artiste. Pourriez-vous nous parler un peu de votre cheminement ?

Ludovic Nkoth : J'ai toujours fait de l'art, depuis le début. Ça a commencé au Cameroun, en Afrique du Sud, où je me promenais avec un tableau noir ou un stylo, essayant de saisir ce qui m'entourait. Je ne dirais même pas que je comprenais ce que je faisais, car là-bas, la culture artistique n'était pas très développée. J'essayais simplement de reproduire les espaces qui m'entouraient. Mon entourage, comme mes parents, ne comprenait pas non plus. Ce n'est qu'en arrivant aux États-Unis que j'ai réalisé qu'on pouvait en vivre. J'ai fait mes études secondaires dans une zone rurale de Caroline du Sud, où j'ai rencontré des professeurs qui m'ont vu peindre. Je ne parlais pas bien anglais avant la quatrième, alors ils m'ont conseillé de prendre des cours d'art.

Au lycée, j'ai découvert la peinture et depuis, je n'ai jamais lâché mes pinceaux. En première année d'université, j'ai eu mon propre atelier, financé par un emploi à temps partiel. Chaque jour après le travail ou le foot, je filais à l'atelier et je peignais jusqu'à 3 heures du matin. Mes parents et moi étions souvent en désaccord à l'époque, mais je devais réaliser mes rêves une fois arrivée à New York.

Delphine Desane : J'ai toujours été créative, mais je n'avais jamais envisagé de devenir peintre avant de devenir mère. Auparavant, j'ai travaillé dans la mode pendant une dizaine d'années. Après la naissance de mon fils, j'ai réalisé que je voulais vraiment changer de carrière et m'éloigner de ce milieu. J'en avais assez et je voulais me lancer dans quelque chose de nouveau. J'ai commencé à peindre pendant mon congé maternité ; c'était une façon de surmonter ma dépression post-partum. Je travaillais dans le noir, sans aucune pression. Quelques mois plus tard, Vogue Italia m'a commandé l'illustration de la couverture du numéro de janvier 2020, et c'est là que mon travail a commencé à se faire connaître. Il m'a fallu du temps pour accepter que j'allais en faire mon métier. Je n'étais pas préparée. Depuis, mon travail a été exposé lors d'expositions individuelles et collectives aux États-Unis, en Europe et au Royaume-Uni. J'ai eu ma première exposition individuelle à la galerie Luce en 2021 et j'ai récemment participé à une exposition collective au musée MOMU d'Anvers, en Belgique.

b. Robert Moore : J'ai grandi dans l'Iowa, un État majoritairement blanc et peu diversifié. Mon père, un homme noir célibataire, était professeur d'arts martiaux chinois, ce qui est assez rare. Enfant, je gribouillais et dessinais, mais j'étais surtout fasciné par l'art dans son ensemble, qu'il s'agisse de danse, de poésie ou même des arts martiaux de mon père. En grandissant, j'ai enchaîné les expériences professionnelles : de l'armée au trafic de drogue, puis à un emploi en entreprise. En 2012, j'ai eu des démêlés avec la justice et je risquais entre 5 et 25 ans de prison, ce qui m'a profondément marqué. J'ai alors décidé de trouver un « vrai » travail dans l'espoir de devenir un homme, mais cela m'a rendu très malheureux. J'ai commencé à boire beaucoup plus qu'avant et à me droguer avant de ressentir un épuisement professionnel quatre ou cinq ans plus tard. Je cherchais le bonheur dans les biens matériels, ou à donner un sens à ma vie, et je crois que je m'y prenais à l'envers. Je pense qu'il faut privilégier le sens à sa vie, et que l'argent et les biens matériels viennent ensuite.

Pour mon anniversaire, j'ai reçu un test ADN qui m'a permis de me reconnecter profondément à mes racines. Être Noir est magnifique, mais découvrir mes origines africaines et tribales est une véritable révélation. À cette époque, alors que j'arrêtais de boire et de consommer de l'alcool, j'ai décidé de quitter mon travail, d'arrêter de me couper les cheveux et de m'habiller comme je le sentais. Je voulais me libérer de tout ce à quoi je m'accrochais et trouver le bonheur. Un jour, j'ai commencé à peindre de l'abstrait, réalisant une dizaine de toiles par an. Mais après ce test ADN, j'ai réalisé que l'abstrait ne me correspondait pas vraiment, alors je me suis mise à peindre des visages. Je peignais des personnes que je considérais comme faisant partie de ma communauté et j'ai commencé à me concentrer sur la diaspora, les cheveux et leurs racines. En composant ces œuvres, j'ai pu me connecter plus intimement à ma culture et à mon peuple.

En 2020, j'avais 600 abonnés, alors j'ai commencé à mieux promouvoir mon travail. Environ 30 % des recettes de chaque tableau étaient réinvesties dans la publicité. Voyant que ça commençait à décoller, j'ai continué à créer. J'ai alors commencé à nouer des liens avec d'autres artistes indépendants et collectionneurs qui croyaient en mon art, et j'ai eu le sentiment d'appartenir à une communauté. Je faisais ce que j'aimais et, en tant qu'homme noir, ne pas être riche, mais ressentir la liberté que le succès peut nous offrir, c'est pour moi la plus belle des richesses.

MB : Robert, vous avez récemment présenté votre recueil « Brown Like Me », dans lequel vous réinventez quelques-unes de vos émissions télévisées préférées de votre enfance, notamment Les Peanuts, Les Jetsons, Les Pierrafeu et bien d’autres. Qu’est-ce qui vous a inspiré pour cette série ?

RM : Il y a un lien naturel avec l’Afrique, à travers les textiles, la danse et la peinture ; tout cela fait partie de l’art, et nous portons tous en nous ces caractéristiques tribales. J’ai quatre styles différents car je suis autodidacte et je refuse de me conformer au profil traditionnel de l’artiste qui ne peint qu’un seul style. J’ai commencé à chercher des artistes noirs ou métis qui réinterprétaient ces dessins animés emblématiques, mais comme je n’en ai pas trouvé, je l’ai fait moi-même. J’ai dessiné Lucy avec une robe bleue, des tresses africaines et les rayures de Charlie Brown, car cela brisait certains stéréotypes de genre. Je l’ai finalement publiée en ligne et les réactions ont été incroyables. D’habitude, je pense que ce sont mes œuvres préférées, car elles manquent de maîtrise technique, mais la réaction émotionnelle est sans doute la plus forte, car elles sont universelles.

MB : Ludovic, nombre de vos œuvres s’inspirent de souvenirs et de traditions familiales qui ont contribué à forger votre personnalité. Pouvez-vous m’en dire plus ?

LN : J’aime me concentrer sur la famille car, ayant beaucoup déménagé durant mon enfance, je n’ai jamais eu le sentiment d’être ancrée. J’ai grandi chez mes grands-parents avant de vivre avec ma mère, puis avec mon père, ce qui explique pourquoi cela me touche autant. Mes racines sont très fortes et, lorsque je suis arrivée aux États-Unis, je me suis un peu intégrée, mais les gens me disaient : « Tu es africaine… que fais-tu ici ? » Puis, quand je retournais au Cameroun, les gens disaient que j’étais américaine. Cela m’a ramenée à cette idée de ne pas avoir d’identité, mais mon art me rappelle qui je suis. J’essaie de cultiver cette idée de manière conceptuelle dans mon travail, car c’est ce qui me donne un sens à ma vie.

MB : Delphine, tu as commencé à peindre il y a seulement quelques années et ton talent s’est déjà révélé sans limites. Comme c’est relativement nouveau pour toi, quels thèmes et techniques cherches-tu à privilégier dans ton travail ?

DD : Je travaille actuellement sur deux projets artistiques distincts en parallèle. J’ai récemment commencé à explorer le textile, en plus de mon travail sur toile et lin. À travers mes créations textiles, j’interroge mes origines françaises et caribéennes dans une perspective postcoloniale. Parallèlement, ma pratique de la céramique me permet de ralentir le rythme et d’appréhender la matière différemment, en trois dimensions.

MB : Robert et Ludovic, quel message souhaitez-vous que les spectateurs retiennent de vos œuvres ?

RM : J’essaie de susciter l’émotion dans mon travail. Toutes mes œuvres comportent un texte. Je sais que chacun apprend différemment selon sa façon de traiter l’information ; c’est pourquoi j’intègre ce type de texte, car je sais que la moitié des gens ne liront rien. Je suis aussi fasciné par la capacité à comprendre ce récit sans le lire. Ce sont généralement les œuvres les plus difficiles à vendre, car je ne les propose pas. C’est mon journal intime. Enfant, j’adorais ces dessins animés, jusqu’à ce que je réalise qu’ils ne représentaient pas des personnes qui nous ressemblent. Plus tôt on prend conscience de ce manque de représentation et on le dénonce, plus les opportunités sont grandes.

LM : Je me contredis souvent, car une fois qu'une œuvre quitte mon atelier, je n'ai plus mon mot à dire. Quand vous voyez une de mes toiles dans une galerie, je ne peux pas contrôler ce qui se passe entre vous et l'œuvre. Je veille à ce que l'œuvre mette en lumière un dialogue précis, mais pas trop pointu pour éviter une interprétation trop poussée. J'adore entrer dans des expositions où je ne sais pas à quoi m'attendre. Je commence alors à réaliser que ce qui se passe devant moi reflète ce qui se passe en moi. J'espère simplement que chaque fois qu'une personne se trouve devant mon art, elle se sent représentée et a envie de s'exprimer. La représentation est importante, car en grandissant, je ne voyais pas beaucoup de personnes faire ce que je fais aujourd'hui. Si l'on ne voit pas de personnes qui nous ressemblent accomplir ce à quoi on aspire, on n'essaiera jamais, car on n'est pas conditionné à croire que c'est possible.

MB : Je suis entièrement d’accord, et c’est pourquoi la représentation est si importante. Avez-vous rencontré des difficultés majeures en cours de route ?

RM : Le monde de l’art est défini par l’accès, ce qui est en réalité très difficile. Il existe un système politique régissant l’acquisition d’œuvres, la gestion des relations et ces intermédiaires qui contrôlent le monde de l’art. Ce monde n’appartient généralement pas à des personnes qui nous ressemblent ou qui défendent nos intérêts. La représentation se fait au compte-gouttes : si nous n’avons pas de personnes qui nous ressemblent à la tête de ces espaces pour nous donner accès, nous nous décourageons, car nous ne voyons pas cette représentation dans les instances décisionnelles. Plus il y a d’artistes noirs, plus les jeunes générations peuvent voir que c’est possible. Je suis heureuse d’avoir eu l’humilité de suivre ce chemin. J’ai créé une plateforme pour donner aux autres le même accès et, en tant qu’artiste indépendante, je souhaite que nous soyons au sommet, mais je crois aussi que si nous ouvrons la voie, nous n’avons pas forcément besoin de passer par l’étape suivante.

RM (suite) : Nous avons une petite partie du terrain qui nous appartient.

LN : Et c'est un fait.

MB : Alors que nous entamons une nouvelle année, qu’attendez-vous avec le plus d’impatience après ce projet ?

LN : Je ne peux pas encore en parler en détail, mais j’ai mené un projet pendant un mois entier passé chez moi. J’ai pu faire des recherches approfondies sur le terrain, auprès des populations locales. J’ai hâte de partager mon point de vue et de présenter ce travail cette année. Je suis aussi ravie de pouvoir ralentir le rythme, car ces deux dernières années ont été intenses et je souhaite désormais avancer à mon propre rythme.

DD : J’ai quelques projets en préparation pour 2022 et 2023. Je ne peux pas en parler beaucoup, mais l’un d’eux est une exposition dans un musée en 2023.

RM : Je sors une figurine de collection une semaine après ce projet. J’ai vraiment hâte ! J’organise aussi ma première exposition solo indépendante dans le Midwest. Plus d’infos prochainement.

LN : Je vais simplement vous envoyer mon adresse pour ça, ha.