Kith célèbre le Mois de l'histoire des Noirs

Pour célébrer le Mois de l'histoire des Noirs 2023, nous poursuivons notre série d'artistes avec trois créateurs noirs qui utilisent la peinture comme médium. Il s'agit de Madjeen Isaac, originaire de Brooklyn (New York), et de Samuel Olayombo et Foster Sakyiamah, résidents de la résidence Noldor au Ghana (Afrique de l'Ouest). C'est la première fois que la marque met en lumière des artistes internationaux.

Ces artistes ont été sélectionnés ensemble par Marlon Beck II, responsable principal des projets spéciaux chez Kith, ainsi que par Ronnie Fieg, PDG et directeur créatif.

En collaboration avec les artistes, nous avons créé une collection capsule présentant leurs œuvres imprimées sur une gamme de t-shirts et de sweats, qui remplacera notre Monday Program™ et sera disponible dès le mercredi 1er février. Chaque artiste recevra 50 % des recettes de ses créations et ses œuvres seront également exposées dans une galerie spéciale organisée dans notre boutique phare Kith SoHo à l'occasion du lancement le 1er février. Cette galerie sera ensuite présentée dans notre boutique phare Kith Paris plus tard ce mois-ci.

Avant la sortie de l'album, Madjeen Isaac, Samuel Olayombo et Foster Sakyiamah se sont entretenus avec Marlon Beck II pour partager leurs points de vue et leurs parcours respectifs, et aborder l'importance de la responsabilité en tant que créateurs noirs. Retrouvez l'intégralité de la conversation ci-dessous.

Marlon Beck II : C’est un plaisir de travailler avec vous dans le cadre de notre troisième série créative annuelle pour le Mois de l’histoire des Noirs – parlez-moi un peu de vous.

Madjeen Isaac : Merci de m’avoir invitée à travailler et à discuter avec vous. Je suis artiste, née et élevée à Flatbush, Brooklyn. J’aime créer à partir de mon imagination, en représentant mon quartier et mes proches. Je suis ravie d’être ici.

Samuel Olayombo : Je suis un artiste nigérian. J'ai étudié les beaux-arts et les arts appliqués à l'Université de Benin, au Nigéria. Passionné par les textures, je travaille avec l'huile, l'acrylique, le fusain et le pastel pour créer des toiles grand format, vibrantes et saisissantes, représentant principalement des portraits masculins, hors des normes de genre.

Foster Sakyiamah : Mon parcours artistique a commencé dès mon enfance. Mon père, artisan, soudeur et peintre, dessinait sans cesse. J'ai énormément appris de lui. Plus tard, j'ai intégré le Ghanatta College of Art & Design où j'ai découvert des peintres modernistes ghanéens comme Ablade Glover et côtoyé des artistes tels qu'Emmanuel Taku. J'ai ensuite ouvert un kiosque dans un quartier d'Accra, baptisé Sakyiamah Art, et vendu mes œuvres dans la rue pendant onze ans. Célibataire à cette époque, ma femme était ma muse et posait parfois pour moi. En août 2021, j'ai rencontré Joseph Awuah-Darko lors d'une visite de son atelier, effectuée par le comité de sélection de la résidence d'artistes Noldor. Dès lors, ma carrière a pris son envol et j'ai obtenu une résidence à la résidence d'artistes Noldor.

MB : Madjeen, étant une Américaine d’origine haïtienne de première génération, nombre de vos œuvres puisent leurs racines dans votre enfance à New York. Lors de nos premières conversations à votre atelier, vous avez mentionné que vos créations s’inspirent de souvenirs de famille et des cultures qui ont contribué à forger votre identité. Comment cela influence-t-il votre processus créatif ?

MI : J’ai commencé à développer mon travail après un voyage en Haïti avec ma famille durant l’été 2017. J’y ai souvent voyagé pendant mon enfance, mais cet été-là, j’étais beaucoup plus âgée et j’ai vraiment observé le paysage. J’ai été frappée par la ressemblance entre Port-au-Prince et Flatbush à Brooklyn. L’activité intense des commerçants et des navetteurs, cette effervescence, était à la fois fascinante et familière. Cela m’a fait penser aux immigrants caribéens de Brooklyn qui ont créé des communautés et des commerces familiaux : marchés, restaurants, boulangeries, etc.
Les transports et les églises permettent de se sentir installé et enraciné dans ce qui est désormais son foyer.

La plupart de mes tableaux font référence à ma communauté et à mes proches qui vivent et interagissent dans mes environnements réinventés. Je m'inspire de Brooklyn, d'Haïti et de paysages imaginaires pour rendre hommage à la manière dont nous occupons l'espace et au brassage culturel de la société.
Les cultures caribéennes auxquelles j'ai toujours été exposée durant mon éducation.

L'une de mes activités préférées quand j'étais enfant était de feuilleter la boîte de photos de mes parents. Il y avait des photos de mes parents en Haïti, de leur premier voyage aux États-Unis, de mes frères et sœurs et moi, de fêtes et de moments spontanés avec de longs moments de complicité.
Ma famille dans les années 90/2000. Outre l'excitation de parcourir des centaines de photos et l'odeur des vieux films, j'ai vraiment apprécié la nostalgie et le fait de voir le monde à travers leurs yeux. Mes parents étaient des photographes amateurs.
tout en explorant un nouveau monde.

Lors de mon voyage en Haïti en 2017, j'ai pris de nombreuses photos qui me servent encore de référence. Aujourd'hui, je photographie mon quartier et mes trajets quotidiens. J'aime immortaliser les détails de l'architecture d'avant-guerre, les passants, le pâté de maisons…
Couchers de soleil et verdure. Pendant la pandémie, j'ai acheté un appareil photo argentique que j'emportais avec moi lors des voyages de camping annuels de ma famille et des sorties entre amis.

Que je peigne ou que je prenne des photos, j'ai l'impression de constituer des archives visuelles que les générations futures pourront consulter.

MB : Samuel, ayant grandi avec cinq sœurs, vous avez récemment mentionné que votre travail est axé sur…
Culture et constructions de la sexualité, rôles de genre et égalité des genres. Comment votre éducation a-t-elle influencé votre travail ?

SO : De par mon éducation, j’utilise des couleurs traditionnellement associées à la féminité, comme le rose et le rose pastel, pour représenter des sujets perçus comme « brutaux » et masculins, car j’ai été témoin de nombreuses injustices durant mon enfance. Je crois que nous sommes tous égaux, quel que soit notre genre.

MB : Foster, vous avez grandi au Ghana et vous êtes récemment devenue artiste émergente à la résidence Noldor. En quoi cela a-t-il influencé votre travail et votre vision de l’art ?

FS : Mon expérience chez Noldor m’a vraiment permis de réfléchir à ma pratique dans un contexte mondial.
Contexte. Peu après le début de mon mandat, j'ai participé à plusieurs expositions individuelles et collectives importantes.
Avec des institutions et galeries prestigieuses à New York, Londres, Madrid, Hong Kong et même une exposition au Musée national d'art de Lituanie, je suis toujours émerveillée par l'ampleur des changements survenus dans ma vie – c'est vraiment extraordinaire.

MB : Lorsque j’ai découvert votre travail, j’ai été immédiatement frappée par l’éclat des couleurs et la beauté des motifs courbes. Qu’est-ce qui vous a incitée à mettre en valeur ces caractéristiques dans votre pratique ?

FS : Nombre de mes peintures monochromes, empreintes d’évocation, mettent en scène des femmes parées de gants de dentelle, de foulards discrets, de lunettes de soleil et de chapeaux. Ces accessoires, immortalisés dans mes œuvres, célèbrent la féminité et symbolisent les loisirs et le plaisir dans l’univers que j’ai créé. Je puise également une source d’inspiration inépuisable auprès des femmes de mon entourage, notamment ma mère, couturière et cheffe de famille matrilinéaire, qui confectionnait des accessoires et s’occupait de clients prestigieux. Mon utilisation d’une palette de bleus cobalt, de verts luxuriants et de magentas éclatants s’inspire de GTP, la première marque textile ghanéenne, lancée en 1966 par le Dr Kwame Nkrumah. Ma fascination grandissante pour le textile a donné naissance aux motifs concentriques omniprésents dans mon travail, dont la signification et la profondeur sont amplifiées par la couleur. J’apprécie de pouvoir transposer ces vêtements et accessoires familiers dans mes œuvres, tout en les rendant accessibles à tous.

MB : Quelles techniques/thèmes sont les plus présents dans votre travail et quel rôle majeur ont-ils joué depuis vos débuts créatifs ?

MI : Je suis constamment influencée par la photographie et l’art de raconter des histoires. J’aime aussi utiliser le collage comme technique pour réaliser mes peintures.

Mes intérêts ont évolué peu à peu depuis mes débuts dans la création. Je m'intéresse à la gestion des terres et au rapport qu'entretiennent les personnes noires et caribéennes avec elles. Qu'il s'agisse de pratiquer l'agriculture, de prendre soin de nos petits espaces ou d'exercer une autonomie pour développer des communautés et des lieux sûrs. Actuellement, je suis inspirée par les jardins communautaires, les fermes, les parcs publics, les marchés, les terrains de sport en plein air, les champs et les églises de quartier… Des espaces qui nourrissent l'esprit, le corps et l'âme.

SO : La culture de la cicatrice que je donne vie dans chacune de mes œuvres est née de l’utilisation du couteau à palette. C’est la technique la plus présente dans mon travail et elle m’a permis de développer mon propre langage visuel en tant qu’artiste.

FS : Depuis toujours, j’ai privilégié la peinture acrylique. Plusieurs raisons expliquent ce choix, notamment mon parcours académique et la maîtrise acquise de ce médium lors de mes études au Ghanatta College of Art & Design. La viscosité et la nature de l’acrylique permettent la superposition rigoureuse des couches, élément essentiel de mon travail, et m’offrent un contrôle artistique accru sur le résultat final, notamment en termes de détails et de précision. J’apprécie particulièrement cette technique.
approchez le plus.

MB : Quel message souhaitez-vous que les spectateurs retiennent de votre œuvre ?

MI : J’aime que les spectateurs repartent souvent avec une émotion personnelle. Parfois, cela leur rappelle leur foyer, leur jeunesse, ou les incite à réfléchir à l’avenir de leur quartier. Lorsque je conçois un projet, j’aime redéfinir, analyser et questionner ce à quoi je souhaiterais que ressemble mon espace de sécurité, au-delà des contraintes de la réalité.

Donc : je souhaite que les téléspectateurs s'habituent non seulement à voir des teintes douces et « féminines » chez les hommes noirs, mais aussi qu'ils comprennent que derrière la « dureté » de chaque homme noir se cache un côté doux et tendre.

FS : Les thèmes centraux de mon travail sont l’émancipation, la féminité, l’opulence afropolitaine et la joie noire. Ces thèmes sont profondément ancrés dans ma pratique artistique, car je cherche à célébrer une vision enrichie et renouvelée de ce que signifie être Africain à l’ère de la mondialisation. Je décris cela comme une « objectification émancipatrice », et je suis convaincue que c’est ce que perçoit le spectateur lorsqu’il regarde mon travail.

MB : Ce fut un réel plaisir de collaborer avec vous sur ce projet, car il s’agit d’une initiative visant à offrir notre plateforme à d’autres, mais surtout à démontrer l’importance de la représentation. Que signifie pour vous être une artiste noire dans ce milieu ? Avez-vous rencontré des difficultés ?

MI : Pour moi, être une artiste noire dans le monde de l’art signifie avoir une multitude d’idées à explorer et d’histoires à partager. Être une artiste noire dans le monde de l’art signifie aussi privilégier la communauté, la santé, savoir dire non à ce qui ne nous correspond pas, vivre l’instant présent et se reposer entre les moments de créativité, car c’est véritablement ce qui nourrit notre travail.

Parmi les défis du monde de l'art figure la pression de « suivre le rythme » et de créer rapidement. Ce rythme n'est ni sain ni viable à long terme. Le monde peut et doit attendre, surtout s'il vous soutient.

En tant qu'artiste noir, je me sens redevable envers le reste du monde de corriger les idées fausses qui circulent sur la façon dont les hommes noirs ont été dépeints au fil des ans. Le seul obstacle auquel j'ai été confronté jusqu'à présent est la nécessité constante d'expliquer que les hommes noirs ne sont pas aussi « brutaux » qu'ils en ont l'air.

FS : Être une artiste noire dans ce milieu est un atout précieux pour moi, car cela me fournit le contexte adéquat pour mon travail.
L'art. Je l'ai vécu et expérimenté, et je le considère comme un élément essentiel qui nourrit mon processus créatif. Parmi les défis, être artiste au Ghana, où les structures font défaut et où le soutien institutionnel et gouvernemental est quasi inexistant, demeure un obstacle majeur. Des institutions comme Noldor ne peuvent pas tout faire, mais nous espérons qu'un jour l'art contemporain bénéficiera d'un soutien local aussi important qu'international.

MB : Enfin, que signifie pour vous le fait de participer à ce moment ?

MI : Faire partie de ce moment ouvre davantage d’opportunités pour les personnes comme moi. La représentation brise les barrières et élargit le champ des possibles. J’ai toujours voulu être artiste, même si cela n’a pas toujours semblé évident à mon entourage. Je suis heureuse d’avoir toujours fait mon propre choix et de rester fidèle à ce qui me passionne.

SO : Je suis reconnaissante de faire partie de ce moment car il me donne l'opportunité de partager ma pratique avec les autres.

FS : C’est un honneur pour moi que mon travail joue un rôle aussi important dans le cadre du Mois de l’histoire des Noirs, un mois dédié à la reconnaissance du parcours et des luttes des personnes noires, mais surtout de leur excellence. C’est un concept que mon travail s’efforce de mettre en lumière et j’en suis profondément touchée et fière.