Pour célébrer le Mois de l'histoire des Noirs, nous avons collaboré avec trois artistes noirs pour créer une collection capsule qui sortira le 8 février. Chaque artiste a réinterprété notre logo classique dans son style personnel.

Shaina McCoy a commencé à peindre en 2012, alors qu'elle étudiait au Perpich Center for Arts Education (Golden Valley, Minnesota). Elle a ensuite fréquenté le Normandale Community College de 2013 à 2014 et a obtenu un Associate of Arts du Minneapolis Community and Technical College en 2018. Ses œuvres ont été présentées dans des expositions collectives à Ever Gold Projects à San Francisco, à la Gildar Gallery à Denver, ainsi que dans d'autres galeries.

Art4Shelter, PLOT et City Wide Artists Gallery à Minneapolis. McCoy vit et travaille à Minneapolis, dans le Minnesota. Une exposition solo de ses œuvres, intitulée « A Family Affair » , sera inaugurée à la galerie Ever Gold Projects en septembre 2019.

Greg Betty , graphiste senior chez Kith, qui a collaboré avec les artistes à la création de la collection capsule de vêtements, s'est entretenu avec Shaina McCoy au sujet de son processus créatif, de l'influence de sa famille sur son travail, de l'importance de s'approprier l'héritage de la communauté noire, et bien plus encore.

Photographies de Tayo Kuku

GB : C’est un plaisir de vous rencontrer enfin, même si nous collaborons en ligne depuis un certain temps. Avant d’aborder votre travail, pourriez-vous vous présenter brièvement ?

SM : Je m’appelle Shaina McCoy. Je suis peintre à Minneapolis. J’ai grandi ici et j’y ai toujours vécu. J’ai fréquenté un lycée artistique appelé Perpich Center, dans le Minnesota, et c’est là que je suis tombée amoureuse de la peinture et que j’ai développé mon propre style, un processus naturel né de mon apprentissage du médium. Je savais dessiner au fusain et au graphite, mais je n’arrivais pas à peindre de façon réaliste comme mes camarades qui, à l’époque, représentaient leurs proches, peignaient des paysages, des animaux ou des natures mortes. Je rêvais de peindre, mais je n’y arrivais pas. Heureusement, mes professeurs d’arts plastiques m’ont beaucoup encouragée à persévérer, car mon style était unique. Megan, ma professeure d’arts plastiques de l’époque, me disait : « Je n’ai jamais vu personne peindre comme ça. C’est unique, c’est beau, simple et angélique. Continue comme ça. » Ces encouragements m’ont donné la confiance nécessaire pour continuer dans ce style, même si je ne le considérais pas vraiment comme de l’art.

GB : Bien souvent, on ne voit pas vraiment d’enseignants encourager les élèves de cette façon. C’est presque comme s’il fallait se conformer à tout le monde ou être exclu de la classe. Elle, elle valorisait votre individualité et voyait en vous un potentiel inexploité.

GB : Pouvez-vous nous dire d’où vient le nom Wallflower ?

SM : Ça vient du film « Le Monde de Charlie » . Je me voyais comme quelqu’un de discret, qui observe les autres faire ce qu’ils veulent. C’était tout simple, c’est moi. Je suis quelqu’un de sociable, à l’aise en face à face et avec qui partager un espace.

GB : Te souviens-tu de ce que tu voulais faire avant de devenir artiste à plein temps ?

SM : Enfant, je rêvais d'être professeure d'art. Je voulais aussi être styliste. Plus jeune, mon intérêt se portait davantage sur l'enseignement artistique, car j'ai toujours été attirée par la création. On m'offrait sans cesse des cadeaux créatifs. Je fabriquais des porte-clés. Tout ce qui me tombait sous la main, du dessin à la peinture, m'intéressait. Ma famille m'a toujours encouragée et soutenue dans cette voie. C'est pourquoi j'ai grandi avec l'envie de devenir professeure d'art : je trouvais ça passionnant, les gens semblaient assez détendus et je voulais utiliser l'éducation pour inspirer les élèves à s'épanouir pleinement. Ils sont souvent perçus différemment, surtout en tant que jeunes Noirs. On a l'impression qu'ils doivent forcément jouer au basket, être danseurs ou chanteurs. Pour d'autres, on ne peut être qu'avocat ou médecin. Pour moi, c'est une autre histoire : « Et les artistes ? » Les artistes font tourner le monde. Tout ce que vous portez, sur quoi vous vous asseyez, dans quoi vous vivez, tout est créé par un artiste. Je pense que nous avons un rôle essentiel à jouer. Ma tante a étudié à Harvard et elle voulait que j'aille à Pratt, car je rêvais aussi de devenir styliste depuis mon plus jeune âge. Après ma visite à New York et ma découverte du FIT et de Parsons, je me suis dit : « Waouh, cet environnement et cette communauté sont tellement différents ! » Peu à peu, je me suis rendu compte que je ne m'y sentais pas à ma place.

GB : Tu as toujours gardé la créativité dans ton ADN, et je suis vraiment ravi que tu aies poursuivi ta passion. En parlant de ton travail, tu as donné d'innombrables concerts à Minneapolis depuis 2015 et tu as également exposé à Denver. Peux-tu nous parler un peu de ces expériences ?

SM : J’avais un ami à Denver, Justin, qui participait à cette exposition et m’avait mis en contact avec l’équipe. Ils m’ont invité à y prendre part et j’étais super enthousiaste, car je n’avais jamais fait partie d’un collectif d’artistes auparavant. L’exposition s’appelait « Now More Than Always ». J’y exposais avec d’autres artistes et j’avais deux œuvres de Big Poppa, toutes petites, sur des panneaux de bois. Je suis allée sur place et j’ai séjourné dans un petit Airbnb avec une porte coulissante. Je n’y suis restée que deux jours, alors ça a fait l’affaire. Je ne suis pas fan de camping, mais je n’avais pas besoin d’un hôtel quatre étoiles de luxe. C’était mignon, mais je n’aurais pas pu y rester plus longtemps. J’ai donc participé à l’exposition collective et j’y ai rencontré plein d’artistes géniaux qui exposaient des sculptures, des peintures, des installations vidéo. Je me suis dit : « Waouh, on peut vraiment se mobiliser grâce à Internet ! » Et c’est ce que j’ai fait avec l’art. Ça remet les choses en perspective : je peux continuer à vivre ici, créer et faire connaître mon art dans le monde entier. Je n'ai pas besoin de déménager à Los Angeles ou à New York, car Minneapolis est mon port d'attache. J'aime profondément ma famille. Même un séjour de trois mois à Los Angeles a été un peu difficile à gérer.

GB : Je voudrais parler de votre spectacle solo, A Family Affair .

SM : Ça s'est passé à San Francisco, à la galerie Ever Gold, avec Andrew McClintock, le galeriste. J'avais créé les œuvres à Pasadena. C'était très stressant. En ce moment, je travaille sur une exposition pour le mois prochain et je me suis juré de ne plus jamais recommencer. Je ne veux pas de cette pression juste avant une exposition ; je veux être fin prête, avec tout mon stock. Si un imprévu survient, je peux rassembler quelques pièces et les envoyer. J'y travaille en ce moment, mais « A Family Affair » était tellement beau. Mon père et ma belle-mère sont venus me soutenir, et ma mère m'a fait la surprise de me faire pleurer. Ma grand-mère a apporté à manger et elle s'est exclamée : « C'est ça que fait ma petite fille ! » et mon père s'est mis à pleurer.

GB : C’est fou comme les familles noires se déplacent ensemble. C’est valorisant, mais en même temps, ça vous fait retomber en enfance. On peut avoir trente ans et dès que la famille est réunie, on se sent de nouveau comme un enfant de cinq ans. Pour revenir un peu en arrière, vous parliez de l’avantage de pouvoir être à Minneapolis, de diffuser son travail dans le monde entier et de se constituer un réseau. 2020 a sans aucun doute été l’année où les créatifs ont pu partager leur travail instantanément grâce au confinement. Quelle importance revêt Internet pour vous et l’utilisez-vous régulièrement pour faire connaître votre travail ?

SM : Je pense qu’Internet est un outil marketing gratuit que tous ceux qui sont passionnés devraient utiliser. Partagez votre travail, on ne sait jamais qui le regarde. C’est grâce à Internet que je peux vivre de ma passion pour l’art. Même si je ne trouvais pas mes créations parfaites, il y a toujours des gens qui les voient et les apprécient. Si vous n’aimez pas, quelqu’un d’autre les aimera, et il ne faut pas s’en inquiéter. Au sein de la communauté noire, il y a une grande liberté pour partager des œuvres qui nous ont profondément touchés, car elles sont nées de la douleur, de la souffrance et des traumatismes. Notre réaction naturelle est de répondre avec amour et résilience. J’ai moi-même intériorisé ce traumatisme ; tout s’est passé ici, au Minnesota, et ça s’est propagé à travers le pays. Mais je suis convaincue qu’Internet est un outil précieux pour partager des informations. L’information se propage à une vitesse fulgurante. On ne sait jamais qui regarde son art. Il y aura toujours quelqu’un pour l’aimer, et il y a de l’art pour tout le monde. Vous n'aimerez peut-être pas, mais une œuvre d'art est réussie si elle suscite une émotion. Qu'elle soit positive ou négative, si elle vous fait ressentir quelque chose, alors elle a atteint son but.

GB : À l’instar de Jackson Pollock et Monet, la texture est sans conteste un élément central de votre travail. L’épaisseur des coups de pinceau et les estompages traduisent l’émotion qui imprègne vos œuvres. Bien que votre style soit impressionniste et abstrait, une émotion palpable se dégage de chacune d’elles. Quand avez-vous trouvé votre style pictural si particulier ? Avez-vous bénéficié d’un accompagnement pour le développer ?

SM : J’ai développé ce projet, c’était quelque chose de spontané qui s’est produit en 2012 au lycée. Je ne savais pas comment utiliser ce médium et, à Perpich, il y avait une professeure d’art invitée, Megan Rye. C’est une peintre américano-coréenne qui voulait réaliser dix tableaux par semaine pendant trois semaines. Nous les avons peints, c’étaient des portraits de 13 x 18 cm. À partir de là, nous avons tous développé notre style et elle a mentionné que ces tableaux avaient un but précis : ils étaient destinés à « Art for Shelter », une vente annuelle de charité au profit du centre d’hébergement d’urgence de la région des Twin Cities. Chaque tableau serait vendu 30 $ et cela permettrait à une personne de passer une nuit au centre et de subvenir à ses besoins essentiels. Depuis 2012, je participe à « Art for Shelter ». Je me souviens avoir demandé combien de tableaux je devais réaliser pour donner 1 000 $ à Simpson Housing Services, car je voulais vraiment m’investir. J’ai réalisé ces tableaux et ils ont tous été vendus dès la première année. J'étais sous le choc car tous les événements étaient fréquentés par des Blancs qui apprécient vraiment ce genre d'art. Il y avait un marché et j'en ai profité. Comme je l'ai dit, je ne savais pas peindre de façon réaliste, alors découvrir ce style artistique a été une expérience unique. Mon père, issu d'un milieu modeste, m'a emmenée chez Michael's, un magasin de loisirs créatifs. Il n'avait pas les moyens de m'acheter des pinceaux de qualité et, bien sûr, je n'avais aucun revenu, étant au lycée. Il m'a dit : « Voilà ce que tu as, tu prends un pinceau. » On a pris le coffret assorti, qui coûtait environ 11,99 $. Je me sentais comme une enfant gâtée, à vouloir du matériel haut de gamme parce que j'étais aux Beaux-Arts. Les autres étudiants y avaient accès, pas moi. Alors, mon père m'a acheté le coffret et j'ai utilisé ces pinceaux en cours dès le lendemain. Je m'en souviens encore car ils sont devenus parmi mes outils préférés. Ils m'ont permis d'entrevoir pour la première fois la texture et ce qui allait devenir mon style. Des années après le lycée, j'ai rencontré un collectionneur à Los Angeles qui m'a demandé si je pouvais réaliser des toiles plus grandes. J'essayais de rester optimiste et de me lancer un défi, car c'était mon rêve : intégrer une école d'art et avoir accès à des formats plus grands. Il fallait viser haut, n'est-ce pas ? Il voulait que je crée deux œuvres, l'une sur une toile de 90 x 120 cm et l'autre sur une toile de 150 x 120 cm. Je n'avais jamais rien réalisé d'aussi grand à l'époque, alors je les ai créées. Il a adoré et je travaille encore avec lui aujourd'hui. Je pense qu'il est essentiel d'utiliser les matériaux et les ressources à disposition. On n'a pas toujours accès à ceux qu'on souhaite, et ce n'est pas grave, mais il faut persévérer et continuer à travailler avec les matériaux disponibles, car on ne sait jamais ce que l'avenir nous réserve. Ça peut marcher, ça peut ne pas marcher, mais il ne faut jamais perdre espoir.

GB : Outre la texture, votre travail est fortement imprégné de nostalgie. Quand je regarde vos portraits, j’ai l’impression d’être sur le canapé de ma grand-mère, à feuilleter un classeur démesuré rempli de Polaroïds et de photos Kodak de mon enfance. Même si vos sujets sont sans visage et anonymes, il y a suffisamment de familiarité et de références propres à la culture noire pour que je puisse m’imaginer, jeune, dans ces situations. Ces beaux moments d’innocence immortalisés en images nous font toujours regretter de grandir si vite. Pourquoi la nostalgie de l’enfance est-elle si importante pour vous ?

SM : Cette citation me revient en mémoire : « Sois la personne que tu aurais voulu être plus jeune. » Or, en grandissant, je n’avais aucun artiste noir auquel m’identifier, surtout que ces artistes sont peu représentés. On ne connaissait que Basquiat, et il n’y avait aucune femme artiste noire à laquelle m’identifier. Je rêvais tellement d’être cette personne. C’est pourquoi me replonger dans la nostalgie de mon enfance est si important pour moi, pour me rappeler ce que signifie la famille, car nous avons encore la chance de nous aimer et de me voir grandir. Je me reconnecte à mes émotions, elles sont mon chemin et me rappellent de célébrer ceux qui m’ont élevée. Je regarde ces photos d’enfance et je vois qui me tient dans ses bras, qui me pousse sur la balançoire ou avec qui je regarde la télévision. C’est si précieux d’avoir ces photos et ces souvenirs, car cela me donne envie de fonder ma propre famille.

GB : J’aimerais vous parler de l’importance de la famille, et plus particulièrement de la famille afro-américaine. Que représente la famille pour vous ?

SM : Ma famille est mon pilier. C’est ce que je connais et je m’efforce de briser les cycles générationnels. Je m’inspire de l’éducation de mes parents, de leurs choix pour m’élever et de mes actions quotidiennes. C’est un héritage qui nourrit la flamme qui brûle en moi. Je pense que beaucoup de gens, absorbés par leur carrière, oublient leurs racines. C’est pourtant essentiel, car je ne serais pas la personne que je suis aujourd’hui sans mon père et ma grand-mère, qui l’ont élevé pour qu’il devienne l’homme qu’il devait être. Le rôle important de ma grand-mère, cette femme incroyable, a permis à mon père de m’apprendre beaucoup de choses. Il était très intransigeant à l’époque, mais maintenant je le comprends et je lui suis reconnaissant. Je leur rends constamment hommage, à lui, à ma grand-mère et à ma mère. Il est important de se souvenir de ses racines et de ne jamais les oublier, car malheureusement, beaucoup de gens cherchent à se détacher de cette identité ou ignorent même d’où ils viennent. Dans différents contextes, les dynamiques familiales sont diverses, mais je tiens à ce que le monde sache que la vraie famille McCoy est unie. Si vous rencontrez un jour un McCoy, sachez que vous êtes en bonne compagnie. Nous sommes humbles et très fiers de porter ce nom. Nous voulons continuer à faire évoluer les mentalités, car McCoy est un nom de famille irlandais blanc. Je ne sais pas à quoi ressembleront mes descendants, mais je sais qui je suis aujourd'hui en portant ce nom, et ma famille en est très fière.

GB : J’adore, et cela m’amène tout naturellement à ma question suivante. Bien que je sois Afro-Américain, toute ma famille a immigré aux États-Unis depuis la Jamaïque. Ma grand-mère est jamaïcaine et allemande, je suis le premier garçon né ici et je découvre encore ma place au fur et à mesure. Je suis certain qu’il existe de nombreuses similitudes et différences entre nos familles, notamment en matière de traditions, de musique, de cuisine et de coutumes. Avez-vous l’impression que, malgré nos éducations différentes, nos difficultés restent les mêmes ?

SM : Au final, nous faisons tous partie de la diaspora. Je pense qu’il est essentiel de reconnaître nos différences tout en reconnaissant notre unité, car beaucoup ont tendance à célébrer et à être orgueilleux. Il n’y a rien de mal à être fier de ses origines, mais nous ne formons qu’un seul peuple et nous devons boucler la boucle, car ici, on nous considérera comme un seul et même peuple. Je pense que nos luttes sont à la fois semblables et très différentes.

GB : Comment ce sentiment de représenter « l’unité noire » se manifeste-t-il dans votre travail ?

SM : Je veux parler d’unité noire car je partage aussi des origines afro-latines et nous avons des personnes de toutes les carnations. Je pense qu’il est essentiel de le représenter dans mon travail, car c’est ce que je suis et c’est de là que vient mon peuple. Même si je n’ai pas connu mon arrière-grand-mère mexicaine, je vois des images d’elle. Je vois ma grand-mère, ses frères et sœurs et mon grand-père dans toutes ces images. Je pense qu’il est primordial de montrer à quel point la diversité et la complexité de l’identité noire sont riches et variées. Nous ne formons pas un seul type ; notre culture est tellement riche et nous devons l’accepter et l’accueillir à bras ouverts. C’est un sentiment formidable de vivre pleinement son identité noire, de reconnaître ses racines et de comprendre à quel point cette identité est forte dans tout le pays.

GB : Lorsque j’ai créé votre version du logo, je tenais absolument à mettre l’accent sur le visage et la texture que vous utilisez. J’ai même rempli le mot KITH avec votre texture pour montrer votre style. Maintenant que je sais que c’est votre père qui figure sur le logo classique, c’est encore mieux. Comment se sent-il en sachant qu’il sera sur le logo ?

SM : Il est ravi. Je dois parfois faire attention à ne pas lui monter à la tête. Il est fier et je suis très heureuse que ma famille puisse y participer autant que l'art lui-même.

GB : Tu as dit vouloir devenir enseignant et je crois que tu m’apprends beaucoup rien qu’à travers cette conversation. J’aimerais parler de notre projet collaboratif ; nous avons demandé à chaque artiste de réinterpréter le logo classique de Kith dans son propre style. Peux-tu nous expliquer qui est Troy Lee et ce que représente pour toi sa présence au sein du logo classique de Kith ?

SM : Franchement, c’est mon père. Je l’ai peint quand il était petit. Il portait un sweat-shirt rayé sur cette petite photo Polaroid. Je l’ai peint, puis j’en ai fait un tirage. C’était magnifique : le portrait avait un fond jaune, on voyait sa petite coupe afro, avec la texture de cheveux que j’utilise souvent, et son visage ressemblait à un tournesol. Je trouvais que c’était parfait pour Kith, pour les couleurs, et puis son nom commence par un T, donc il est pile sur le T du logo classique.

GB : Le thème de la famille est très présent dans votre œuvre. Que représente pour vous la deuxième pièce sur laquelle vous avez travaillé ?

SM : C’est un autoportrait que j’ai réalisé ; on me voit petite fille avec de grandes couettes, des barrettes Poo Bear et une salopette. J’adore la couleur de fond. On a tous ce genre de portraits, en dehors des photos scolaires. Je trouve que c’est un pan de l’histoire des Noirs qui s’écrit. Avec mon père sur l’autre t-shirt, je montre quelque chose de vivant aujourd’hui, un pan de l’histoire des Noirs qui s’écrit, et ça renvoie à la personne que l’on aurait dû être plus jeune. J’avais une image précise de moi, et voilà, c’est moi, plus jeune. Me voilà, incarnant la personne que j’aurais dû être, et je veux continuer à être un modèle pour tous les enfants noirs et métis à travers le pays. Les inspirer à devenir qui ils veulent, et qu’ils se reconnaissent dans ce portrait.

GB : Je pense que la jeune fille que vous étiez serait très fière de la femme qu’elle deviendra. Que peut-on attendre de Shaina McCoy pour l’avenir ?

SM : J’ai plein de projets en cours. Il y aura une exposition à la galerie Stems en Belgique fin mars. Je travaille sur un projet avec des petites filles noires parées de bijoux, de perles et de barrettes. Ensuite, j’ai une exposition au Ghana, ça va être génial ! J’ai récupéré des portraits, des diapositives Kodachrome, de mon grand-père, qui est photographe. Il a pris plus de 80 % des photos que j’utilise pour mes images et mes peintures. Il a trouvé une boîte appartenant à une femme qui a fait un voyage en Afrique dans les années 1960, où elle a parcouru le pays et collectionné des photos. En voyant ces images, j’ai eu envie de faire quelque chose de différent de mes portraits de famille habituels. Retourner vers les Africains et leur donner la reconnaissance qu’ils méritent, au lieu de les laisser enfermés dans une boîte à chaussures. Mon grand-père m’a donné ces photos et j’ai su exactement ce que je voulais en faire : les peindre. Je ne pourrai peut-être pas toutes les peindre, mais je vais choisir celles qui me touchent profondément, celles qui appellent vraiment à être vues, entendues et ressenties. Je vais peindre pour l'exposition de l'année prochaine. C'est mon projet actuel. Je travaille aussi sur la pochette d'un album pour une personne qui m'est chère.

GB : Waouh, c'est incroyable ! Merci Shaina.

SW : Merci.